[CINÉFILO PROMEDIO] «Roberto Baggio: El divino» – (Il Divin Codino)

Blanda fábula de vida

Desordenada y un poco inconexa, especialmente para los paladares más futboleros es «Roberto Baggio: El divino» (2021) que pese a tener buenas intenciones y elementos a destacar termina decepcionando bastante.

Los saltos temporales antojadizos, centrarse en un personaje por sí mundialmente conocido por el fútbol pero darle un extraño cariz íntimo y personal es una mezcla que no logra resultar en esta hora y media de biopic que en sus indefiniciones pierde mucho para poder ser evaluada adecuadamente.

Il Divin Codino tiene potencialidades como un cast bastante fiel a los protagonistas reales y recreaciones aceptables de momentos recordables en la vida del emblemático «10 italiano» pero se queda en eso y he ahí lo que más molesta, lo que pudo ser y no fue.

Ver la historia de Baggio -salvo que seas italiano- es un nicho para futboleros. Sin embargo el guión se va por otro lado y ni siquiera los guiños reiterados a un episodio puntual son armónicos como para hacer llevadera la historia. No hay un atractivo anexo que otorgue continuidad suficiente para sortear los criminales saltos temporales que sufre el relato.

En síntesis, gusto a poco. Quizás sea lo que quería el involucrado pero en calidad solo aparece como una blanda fábula ni pelotera ni personal. Casi absurda. Poco para la figura del «divino» y un casting que no anduvo mal.

Recomendación: Débil. Gusto a poco. Daba para más.

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Mystify»

Mirada convencional para una historia que merecía más

Aún siendo un admirador de INXS como banda o de Michael Hutchence como intérprete, «Mystify» (2019) con toda su valía testimonial en relatos e imágenes, más allá de revalorizar algunos detalles de ambos perfiles que con el tiempo se han ido borrando, no logra conmover en demasía a sus espectadores al menos, para lo que debería haber conseguido.

Debido a su estilo fiel al pop – rock especialmente de los ochentas y primera mitad de los noventas, sin disfraces, se trata de una de las bandas más subvaloradas en su aporte al cancionero popular de las décadas siguientes, con una influencia definitiva en la música por lo que esta retrospectiva se hace necesaria y siempre deberá cargar con el rótulo de quedar corta. Pero siendo francos sí bien es su carismático vocalista el centro de atención, aún así nos queda gusto a poco del repertorio, varias canciones con contenido enigmático a desentrañar, escuchar y leer de una forma distinta, algo que no llega como quisiéramos.

El objetivo de conseguir ahondar en Michael Hutchence, en sus dilemas interiores, dolores que marcaron su vida especialmente en su fase determinante y baja autoestima para el potente talento que poseía está logrado en esta hora 40 minutos, pero siendo un documental audiovisual me pena la falta de rostros para esas voces que -aunque autorizadas- se diluyen unas a otras aún cuando se trata de parejas, familia, amigos cercanos y ex colaboradores. Una deuda en la forma que es imposible pasar por alto.

«Mystify» asoma entonces como un expediente moderadamente relevante, revisable pero no definitivo tanto sobre Hutchence como del propio INXS. Lo malo es que es injustamente poco probable que la estrella australiana y los excelsos músicos de la banda tengan -al menos pronto- otra revisión a fondo de su carrera y vida personal, por lo que

Recomendación: Pulgar arriba en el contenido aunque la forma convencional decepciona por su falta de emotividad. Conformidad es la premisa. El material daba para más.

🙂👍🎤

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Camille Claudel» – (La pasión de…, C.C. – Violence et passion)

El laberinto de Camille

La vida de la francesa Camille Claudel es una de las grandes historias que tiene poco conocimiento aún entre admiradores del arte y fuera de aquel círculo el anonimato es prácticamente total. No obstante su figura es una que vale la pena revisar en especial para quienes tienen interés en Rodin, la comentada relación de ambos y su rol entre los grandes talentos de la Francia en la transición del Siglo XIX al XX.

«Camille Claudel» (1988), también conocida como «La pasión de Camille Claudel» o «Camille Claudel: Violence et passion» fue el primer relato serio que retrató para varias generaciones no solo en Europa sino en el mundo, el legado de una artista con talento natural que al involucrarse con un referente de su medio y época como Auguste Rodin tuvo un quiebre emocional y profesional que marcó su vida. Aún hoy el circuito de «cine arte» en distintas latitudes recuerda el hito que significó este estreno a fines de los 80.

Isabelle Adjani personifica cabalmente los deseos, obsesiones y frustraciones de Claudel. El genio en cada ejecución de sus manos y la desdicha de un amor no correspondido con la intensidad que marcó sus mejores años. En contraparte Gérard Depardieu no solo es opacado por el foco de la cinta centrado en Camille sino por el importante e interesante rol que cabe a la familia de la escultora. Un acento no tan bien concebido en su ejecución como en la lógica pensada por la dirección, develando un flanco vital dentro de esta cinta biográfica.

Aunque cuando hay pocos antecedentes se deben agradecer los detalles de una situación o un personaje relevante pero desconocido para muchos, lo cierto es que el film puede ser un verdadero «ladrillo», más cercano a las 3 horas y sobrepasando las dos horas y media de, en su mayoría, momentos poco felices o plenos para la protagonista, lo que resulta algo agotador pero no menos reflexivo considerando su fuente de hechos reales.

«Camille Claudel» es intensa, meticulosa. Su espeso desarrollo puede jugar en contra del interés de antecedentes valiosos e interesantes de conocer, lo que tristemente la vuelve una película de «cine arte» de nicho, solo para seguidores pero en rigor, debiera ser valorada de forma más universal y con equilibrio, ojalá aspirando a un reconocimiento tal como si se tratara de la marca registrada que es Auguste Rodin en la historia del arte.

Recomendación: Interesante. Una pieza a ratos demasiado densa pero también valiosa.

🇫🇷⚒💔👨🏻👩🏻🕰

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Rocketman»

Altos y bajos.

Si hay un mérito en «Rocketman» (2019) es el de redescubrir el talento y genio musical de Elton John, sin embargo hay una irregularidad que da pie a un sube y baja de momentos sin un eje claro de hacia dónde va la película, cuál es su tono general y dejando el tallo musical como su única vara referencial. En síntesis, algo menor de las expectativas que teníamos al verla.

Innegablemente hay una comparación inmediata por la cartelera reciente del cine biográfico musical como es «Bohemian Rapsody» (2018), donde se comparte el sentido de biopic de «guante blanco» para un artista icónico de la música contemporánea, no obstante la analogía hacia Freddie Mercury resultó más compacta, con un sello dramático – musical mejor desarrollado y donde la empatía con el protagonista también tuvo una mejor estatura.

Mercury por otra parte cumple con la idealización del ídolo desaparecido en su esplendor y Elton John -quien se mantiene relativamente vigente- sin duda tuvo una injerencia notoria en el argumento. Algo elogiable en ciertos aspectos dramáticos o críticos pero blando y condescendiente en otros. No basta con intentar ser más explícito en escenas puntuales para mostrar transgresión o veracidad y acá hay muchos elementos que se obvian simplemente para seguir con la historia, la cual por cierto en sus momentos altos llena bastante el paladar, sobre todo logrando su fuerte en las metáforas inspirativas de su legado musical. Es ese relato musical el que es más bien digno de un espectáculo londinense o de Broadway, aunque no se puede negar que hay piezas muy bien elegidas.

Taron Egerton es un intérprete a la altura de lo que amerita la historia pero siempre pena un poco más de profundidad sobre el por qué de algunas ramificaciones de la trama que se quedan en la tonada de algún hit mundialmente conocido, por lo que en general el elenco hace lo que puede con lo que tiene. Tampoco es que remezca en general, si algunos momentos puntuales brillan, pero en un ejemplo más mundano, un reciente comercial del genio de anteojos peculiares puede resultar más satisfactorio y emotivo.

El abanico musical de Elton John es tan amplio que incluso queda corto en la cinta. Su personaje protagónico es elevado a una suerte de «Cenicienta», con una buena complicidad conseguida por Taron Egerton, pero sin un trasfondo bien expresado de lo que quiere, lo que impide digerirla bien como una aceptable biografía humana que complemente bien lo musical.

dado 3Recomendación: Regular a aceptable. Es una sinfonía de altos y bajos que deja más de una mueca.

😎🎼🎹

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Bobby Robson: Más que un director técnico»

Tributo a Sir Bobby, el noble

Al ver el ránking que en 2019 hizo France Football con los mejores 50 técnicos de la historia del balompié, Bobby Robson queda en el sitial 39. Mezquino si se considera que lo de lo del inglés fue hacer escuela no solo en cancha sino como estilo de vida.

«Bobby Robson: Más que un director técnico» (2018) se masifica al mundo y a las nuevas generaciones por medio de Netflix y aunque este tipo de documentales de guante blanco suele ensalzar al objeto de estudio a un punto de cuasi beatificación, en esta pasada el tributo para quienes ostentan «algo» de conocimiento de fútbol, es merecido.

No se trata solo de resultados, de legados coperos. Sir Bobby Robson dejó huellas, algo que cuesta por estos días y no solo en el fútbol. Algunas prácticas -llamadas pícaras-que son parte de lo cotidiano le pasaron la cuenta y en eso, su estilo de caballero se refleja correctamente en esta biografía.

Del mismo modo las líneas temporales que aborda -con su paso en Barcelona como uno de los trances que marca su carrera, pero sobretodo, su carácter- son arriesgadas pero le funcionan a lo que pretende dejar como lección este film. Hora tres cuartos de una biopic amable, gentil, algo que en el fútbol no abunda.

Mención a los referentes que recuerdan su conexión con Bobby Robson en escena y el material que rescata este trabajo. Digno, merecido y necesario para un buen tipo que mereció más del fútbol.

Recomendación: Bueno. Bien realizado, de guante blanco. Un bello homenaje.

⚽️🇬🇧👴🎩

[CINÉFILO PROMEDIO] «First man» – (El primer hombre en la Luna)

La fría y oscura sombra de una proeza

Para lo que esperábamos, el viaje del director Damien Chazelle a la Luna de la mano del Neil Armstrong de Ryan Gosling es tan inesperado o «hacia lo desconocido» como la historia misma del Apollo XI y su comandante. Una película histórica – biográfica que con un ritmo cadencioso inquieta más de lo que remece.

Damien Chazelle disfraza su estilo de una forma irreconocible y entrega una mirada diferente. Sería mentir decir que varios pasajes de la primera mitad se vuelven tan lentos que se tornan soporíferos, pero se trata de reiterar una y otra vez lo que posibilita la hazaña, independiente de los cuestionamientos conspirativos aún hoy sobre su veracidad. Los detalles son tan numerosos que se les acota inteligentemente.

La historia no se enfoca más allá del perfil del protagonista, el resto incluso puede verse vago. Se trata del «primer hombre» y lo que pasa por su cabeza (aunque no lo demuestre) no de la historia del proyecto Apollo o sus similares. Tanto así que afortunadamente se toma la jugada decisión de dejar la guerra fría fuera del radar principal en el guión.

Gosling tiene que actuar sin demostrar, lo cual aparenta ser sencillo, así como Claire Foy, quien tiene un par de hits con los que le basta para justificar su elección en el cast. Los silencios y diálogos entre ambos son básicamente el núcleo de la película.

Punto aparte para la sonoridad de Justin Hurwitz, que es -como se esperaba- impagable. Mezcla en los acordes principales epicidad con tonos y tambores militares y toda su formalidad con los bronces, vientos y susurros de una proeza inigualable. Quizás el principal punto alto de la película.

Dentro de las reflexiones que deja, se reitera una que es aplicable en múltiples flancos: pudiera ser que lo fácilmente criticable o susceptible al desdén superficial en ciertos personajes de la historia de la humanidad es precisamente la fortaleza que los alza con el temple necesario para conseguir objetivos que para el resto nos serían imposibles. Sangre fría que le llaman, o curtida desde el dolor, las cicatrices y los errores junto a la confianza en las capacidades propias.

Dos horas veinte de espeso desarrollo, recién con algunos respiros bien entrado el film. Es la oscuridad, la sombra tras el destello de una hazaña llena de contrastes, de drama, muerte al acecho y todo aquello en el total no puede ser mero confeti. Este precio no es algo para todos los públicos.

Recomendación: Interesante. Una apuesta audaz considerando el estilo de los realizadores. Extensa y no para todo público dado su transitar dramático por la historia.

 🚀🌏🌕🙂

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury»

La luz sobre Freddie

Uno de los estrenos más esperados del año, «Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury» (2018), llega de la mano de Bryan Singer y Rami Malek, en un correcto biopic, bien delineado, sobrio (quizás demasiado a ratos) y donde el golpe al mentón y la memoria emotiva se desencadena al son de ritmos y estribillos que aún hoy siguen siendo reconocidos entre los mejores de la historia.

Una consideración temporal al margen. En momentos de su estreno en cines, producto de su promoción, es un deleite escuchar las melodías de Queen sonando por todos lados. Es necesario abrirse y disfrutar de las «modas» cuando estas son con sentido adecuado y apreciar la calidad musical de un sonido tan consolidado y memorable. Evitemos la mezquindad de pensar que bandas como esta «le pertenecen» a unos pocos, al contrario, mientras más personas y generaciones la disfruten mejor aún.

En la cinta está bien llevado el nexo entre la biografía de Freddie y la de la banda misma. De hecho, la simetría es tan pulcra que nos hace desconfiar de muchos flancos, de los momentos de epifanía musical o de las medidas insinuaciones sobre los excesos que marcaron el ocaso interno del cuarteto.

Con todos estos riesgos de volverse «cuadrada» el rol de Rami Malek es crucial para los matices y por supuesto la mesa está puesta para que aproveche sus momentos y nos permita descubrir algo más de sus sensaciones, antagonismos, conflictos entre otras muestras de su personalidad y en eso hay un acierto tremendo de casting.  Ah, el cameo de Mike Myers tiene una historia detrás que no está demás indagar.

«Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury» es una banda sonora demoledora, contundente; una historia relativamente bien desarrollada, sin excesos ni momentos oscuros explícitos como los que sabemos hubo, mezclados cinematográficamente (con todo lo que ello implica) para ocupar los tópicos necesarios de una cinta biográfica regular: villanos, víctimas, proezas y dolores, todo sin disimularlo demasiado. El consenso es que pudo hacerse mejor, la disculpa es que no era sencillo.

Extensa y todo, sus inserciones musicales serán amadas por los fans y un salvavidas para los espectadores promedio. Al menos califica como interesante por la complicada empresa de llevar adelante un relato crucial de un ídolo musical de todos los tiempos y eso, eso nunca estará de más.

Hay mejores cosas de Queen, si. Es una distorsión de su historia, es altamente probable, pero ¿saben qué? Es Hollywood, si quieren conocer más de la banda y sus vidas reales hay documentales sobre ello.

Recomendación: Interesante. Una historia quizá «demasiado» simétrica (…) Las canciones de su banda sonora reflejan lo tremendo de su legado.

 🎤 🎼 🎸 🎬 🙂

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «I, Tonya»

Malas compañías

Una historia que aún está en el recuerdo de toda una generación llegó al cine de forma muy particular, en una mezcla dispar entre astucia o torpeza considerando los fuertes ingredientes de su contenido. «I, Tonya» (2017) eso sí es innegablemente entretenida por el espiral perverso e hiriente que conlleva su relato.

El gen de hechos reales en los cuales se basa esta cinta no deja a nadie indiferente. Mucho de la identidad estadounidense está impreso en la historia y las desventuras de Tonya; «Se le quiere o se le odia, como Estados Unidos». Por eso el giro de la película por hacer partícipe al espectador, dar cuenta de malas conductas, disculpar el trasfondo es más discutible, pero la empatía surge aún sin querer.

Margot Robbie se merece los elogios y el secundario de Allison Janney amerita los galardones obtenidos. Sin duda esta última obtiene su lugar en el podio de las madres antagonistas del cine moderno. Mención a la musicalización de época, de ritmo afín a las secuencias.

El duro (y frustrado) camino al éxito, el clasismo, las discriminaciones, la indolencia social ante los abusos. Son muchos los flancos disimulados en «I, Tonya», quizás apuntando a que debieron ser más explotados, pero el drama es atenuado al parecer precisamente para restarle la carga oscura a un film que pudo ser sumamente espeso en su ritmo.

Se puede decir que el ejercicio, aunque discutible para muchos, obtuvo buenos resultados. La película se hace llevadera, no cae en el cliché de dramas sufridos y continuos pero transa en ello el dolor detrás de las lentejuelas y el frustrado ascenso a la gloria de su protagonista. Atrevido, pero funcional.

Recomendación: Muy interesante a buena. Hechos reales peculiares, crueles y cotidianos.

⛸🤦 🇺🇸 🙌

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Las horas más oscuras» – (Darkest hour)

Horas desesperadas

Gary Oldman ha forjado una carrera de roles fuertes más que interesantes siendo el favorito de una generación madura de espectadores y ávidos del buen cine, a los que suma la crítica especializada. Todos estaban preparados por años para ver una película de este tipo; profunda, con un protagónico de peso que hiciera justicia a lo que un actor de esta talla pudiera sostener.

«Darkest hour» (2017) es historia pura, un perfil biográfico magnífico. Por alguna razón los lugares comunes o estereotipos que suelen ser objeto de reparo en esta pasada son consumidos por la credibilidad de Oldman. El gen británico arde con intensidad en esta historia y es altamente disfrutable para los amantes de cintas biográficas y relatos vinculados a las grandes contiendas bélicas en su arista política.

No es casual que a muchos les sea complementaria como cinta de «Dunquerque» (2017) y perfectamente podría serlo, ya que comparten el momento temporal y «Darkest hour» en esa asociación incluso se alza como más determinante, dejando a la cinta de Nolan -con toda su belleza y crudeza- como casi un spin off de la guerra.

Sin especular, explícita para provocar empatía y comprensión de la circunstancia, Joe Wright se anota un triunfo basado en la mezcla del cuidado de los detalles y la globalidad de lo que está en juego.

La devoción no es gratuita, es un trabajo bien hecho, bien actuado y bien producido. Es cierto que toda la atención se la lleva Gary Oldman, pero al fin de cuentas, es lo que queríamos ver.

Recomendación: Magnífica. Una bitácora de la historia hecha cine. Gary Oldman extraordinario.

🇬🇧⚔⭐🙌

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «Jackie»

...

Un film de luto, de dolor

Natalie Portman es una estrella que exige sus propios límites en «Jackie» (2016) del chileno Pablo Larraín, quien exprime a ratos de forma cruda y en otros momentos con sentido íntimo pocas veces visto, a un personaje icono de la cultura de Estados Unidos tras el peor momento de su vida, en un contexto mundialmente diferente y pese a ser un episodio por todos conocido, posee detalles que siempre intrigan, principalmente por el tratamiento de la historia.

Muy personal y de significación relevante para el pueblo estadounidense, cada trazo de la película, su sonoridad envolvente, lo teatral que se vuelve, contribuye a crear una atmósfera emotivamente tétrica pero a la vez solemne. Una fragilidad con carácter que trasciende la pantalla y que consigue hablar por sí sola en largos momentos de su duración. Es -dado esa circunstancia- una contención permanente de emociones. Larraín además va al grano y no elude lo que muchos quieren ver, dando luz a una cinta a ratos terrible en lo emotivo, de recogimiento.

Puede que su tono íntimo, de susurro permanente y en lo sumo reflexivo no alcance para mantener la atención de todos, pero el relato de Pablo Larraín es de contenido innegablemente calificado, minucioso y delicado. Una hora y media de un film de luto no es un ejercicio menor y tiene costos, indudablemente.

Con todos sus aspectos positivos, quizás extrañamos el sentido íntimo de la Jackie Kennedy extrapolada del magnicidio. Algo más de su impronta personal, de vida, de personalidad. Es cierto que acotar brinda posibilidades para enriquecer un capítulo, pero en lo general se echa de menos más acerca de cómo se forja el personaje en cuestión. Una observación a pie de página dentro de la positiva evaluación para un film de buena calidad, pero sin la curva antes descrita.

Con tanto respeto en escena por el personaje, el privilegio de volver a ver a John Hurt, un perfeccionismo con la época destacable, una protagonista de altura y en síntesis, más de lo esperado, «Jackie» es recomendable por estos factores y otros tantos. Una película bien hecha, pulcra, de sello doloroso y por qué no decirlo, también agotador.

dado5Recomendación: Buena. Sombría pero elegante, respetuosa pero incisiva. Un gran retrato de Larraín & Portman.

🇺🇸 ⭐ 😢