[DISCO DE LA SEMANA] [CANCIONES + RECUERDOS] «Daft Punk – Discovery» (2001)

El 3 de marzo de 2001 salió a la venta en el mercado tradicional de música que existía por esos años, el segundo trabajo del dúo electrónico francés Daft Punk, «Discovery». «One more time» fue el buque insignia de un álbum tremendo en sonoridad y que fue de la mano con esos clips animado inolvidables de «Interstella 5555».

En esa época aunque era mucho de cassettes no fue sino hasta 2004 cuando viajé a Noruega que copié en casa de mi hermana el «Discovery». Como anécdota a mi desconocimiento musical puedo decir que por mucho tiempo lo recuerdo como «Discovery UK» porque así era como venía rotulado el CD original que Jessica tenía junto a Thomas en su departamento en Oslo.

Por supuesto que pasó a acompañarme de inmediato en ese viaje. Ya traía algunos desde Chile y adquirí otros en Europa, pero por alguna razón le tomé cariño a esa copia con letras maltrechas que escribí con marcador para nombrarlo. De ahí que no lo repuse con el original ni con el paso de los años, de hecho, en la extinta Feria del Disco de Ahumada le sumé una segunda adquisición de remixes de este grupo.

Como sea, la continuidad musical de este disco «Discovery» es altamente llevadera. Estuvo conmigo en viajes de bus, tren y avión cuando tenía como 24 o 25 años y luego cuando me sonaba «OMT» en alguna pista era inevitable sentirla como propia.

Pero los años pasaron y esas salidas a bailar disminuyeron y claro, los viajes también. La vida me colocó atendiendo un cibercafé en pleno barrio universitario donde detrás del mesón por supuesto el mismo CD copiado de Noruega me acompañó incontables tardes. Turnos largos desde las 15 o 16 horas (aunque siempre llegaba tarde) que se extendían hasta el comienzo de la madrugada. Además los lectores de los computadores reconocían el disco como original, así que siempre sonaba a la altura.

Hay canciones a las que le tenía particular apego como «Aerodynamic» o «Veridis Quo» además de «Digital love», incluso «Too long» que te vuelve a mover cuando el disco pareciera va decayendo.

Dos pasajes en la vida que se me vienen a la mente al escuchar estas canciones, un viaje muy especial por mis orígenes y esas tardes y noches en el cibercafé. A estos dos puntos altos se suman muchos más instantes a los que se hace justo rendir tributo.

Por eso a veinte años de ese lanzamiento y en medio de la conmoción entre los que seguíamos a este grupo por su separación, le dedicaré algunos temas de este discazo a cada día de la semana aniversario y otros hits que marcaron la trayectoria del gran Daft Punk; «Around the world», «Robot rock», «Technologic», «Give Life Back to Music», «Giorgio by Moroder» o las colaboraciones con Pharrel Williams con quien hicieron la inmortal «Get Lucky» y «Lose Yourself to Dance»; con Julian Casablancas «Instant Crush»; con Wknd «Starboy» y «I Feel It Coming», entre otras. Se harán cortos los días.

Los tracks de este discazo en [MPBuyo] como siempre…

  1. One More Time
  2. Aerodynamic
  3. Digital Love
  4. Harder, Better, Faster, Stronger
  5. Crescendolls
  6. Nightvision
  7. Superheroes
  8. High Life
  9. Something About Us
  10. Voyager
  11. Veridis Quo
  12. Short Circuit
  13. Face to Face
  14. Too Long

[CINÉFILO PROMEDIO] «Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem»

Al infinito y más allá.

Ante la separación en 2021 del dúo francés de música electrónica Daft Punk es inevitable recordar que precisamente hace dos décadas el disco «Discovery» llegaba a los top de las listas musicales del mundo merced a sendos éxitos. Bueno, los apoyos visuales de aquel trabajo eran parte de una historia animada donde esta banda sonora era el 50 por ciento del todo. Un resultado -a esta altura- entrañable.

El valor de esta comunión hace extrañar que no se haya replicado dado su perfecto calce, donde en una hora y cinco minutos «Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem» (2003), animada por el prestigioso y emblemático Matsumoto y el estudio TOEI de Japón, relatan una aventura que no necesita más palabras o diálogos que la propia expresión de los personajes actuando al son de un disco memorable.

Por supuesto en gustos no hay nada escrito pero la cohesión de estas dos formas de arte, llegan al punto que no se distingue si el álbum musicalizó la animación o a la inversa, como fue en realidad. Clips hilados que en el fondo eran en cada track un capítulo de esta odisea espacial musical de ciencia ficción. Como decía, quizás demasiado para algunos.

El tipo de animación japonesa clásica es maravilloso de ver, mientras Daft Punk suena con quizás su mejor disco. No hacen falta más palabras. Llama la atención que pese a lo extravagante de la trama, el espectador pueda captar cómo se desarrollan los hechos. Eso exceptuando unos pocos aspectos del antagonismo que no quedan del todo claros.

«Interstella 5555» es un producto de culto y de calidad a la vez. La música y la animación van de la mano, por lo que es difícil evaluar uno sin meterse en el otro a la hora de examinar la película. Pese a estas subjetividades expuestas, hay que reconocer su valor, calidad y acierto que marcó el antes y después de un estilo de música dejando un gran álbum y un apoyo visual macizo como legado.

Recomendación: Buena. Una exquisitez de animación de la mano de uno de los mejores álbumes de música electrónica del siglo.

[CINÉFILO PROMEDIO] «Patagonia de los sueños»

Lo que la Patagonia se llevó

El cine de Jorge López Sotomayor no resulta precisamente afín al paladar de un público que por estos tiempos maneja otros ritmos y cuando hace unos años intentó como realizador rejuvenecer sus registros, lo cierto es que la experiencia dejó mucho que desear.

«Patagonia de los sueños» (2014) es menos de lo que debería. El relato es tan sombrío que rinde poco tributo a lo esperanzador de su propio título y asimismo, el tono sufriente que predomina en su desarrollo solo se intensifica con una musicalización funeraria que termina por agotar en cada cuadro. Quizás se pudo -sin faltar al guión- ser más flexible en hilar un relato más llevadero con herramientas como esa.

Mencionado el tema de los cuadros, el paisaje patagónico resalta por si mismo y es quizás el punto más alto del film de poco más de hora y media. También vale la mención honrosa a un meritorio trabajo en post producción para embarcaciones de época que dado los presupuestos acotados se valora.

Volviendo a los factores que dejan a esta película al debe hay una lista que asoma con evidencias prácticas: hay movimientos de cámara, ángulos desestabilizados y salidas de foco al menos cuestionables que distraen mucho, tomas innecesariamente largas y fuera del tono antes mencionado (no hay una sola escena de esperanza o pseudo alegría). Del mismo modo es irritante el afán por cuchichear o hablar a regañadientes, en voz baja pese a estar en espacios abiertos, lo que hacen muy complicado escuchar diálogos que son claves para un montaje que tampoco facilita las cosas.

La belleza natural de Juanita Ringeling no alcanza para disimular su falta de carácter para una cinta de este tipo, con una narración e intervenciones donde su acento argentino es casi una mala anécdota. Da la impresión que Julio Jung se pierde en un secundario de poco peso y Pablo Krogh es quien alcanza un rol más recordable. Alessandra Guerzoni se termina perdiendo en el destino absurdo de su personaje y quizás Canale debió personificar el rol de militar argentino que le calzaba mejor.

En fin, una decepcionante obra que mejor tratada y con el apoyo adecuado pudo tener mejor suerte.

Recomendación: Débil. Decepcionante para la historia. Faltó matizar los tonos.

[CINÉFILO PROMEDIO] «Set It Up: El plan imperfecto» – (Cómo deshacerte de tu jefe)

Intervalos de entretención

La pandemia del Covid 19 en muchas oportunidades nos ha hecho extremar la búsqueda de opciones de la cartelera digital. Es ahí donde de vez en cuando aparecen las incombustibles comedias románticas que con las debidas circunstancias caen bien paradas o al menos sirven para sobrevivir al encierro y las restricciones.

Netflix levantó «Set it up» (2018) con la bajada en Latinoamérica de «El plan imperfecto», como una de esas propuestas. En ese sentido Zoey Deutch es quien se roba la atención pues tiene un gen de comedia innato y es la chispa que realmente da vida a esta cinta. Una comedia de pocos personajes donde su carisma sostiene de forma más llevadera una trama que aunque poco creíble se hace peculiarmente entretenida por varios pasajes.

Quizás fuera de las falencias del guión el hecho que los demás roles palidezcan ante una de las protagonistas desbalancea el producto. Por cierto que esta como otras historias similares tiene todos los clichés que restan en aportar algo de emocionalidad que le vendría bien a la película como para contrapesar el humor.

En síntesis, todo dependerá mucho del ánimo y la predisposición antes de ver «El plan imperfecto»; si como pareja o en soledad están las ganas o se dejan de lado ciertos prejuicios -justificados- eso ayudará mucho. De lo contrario el ejercicio resultará bastante inútil.

Recomendación: Regular. Es bastante oscilante en sus dosis de comedia romántica. Le falta emocionalidad, solo la protagonista es quien afirma gran parte del todo.

[CINÉFILO PROMEDIO] «Nomadland»

La fragilidad del errante

Con todo y la sencillez que derrochan este tipo de películas, «Nomadland» (2020) es una cinta que involucra viajes más allá de la carretera, porque pese a acumular cientos sino miles de millas y kilómetros, está lejos de ser una simple «road movie», principalmente porque sus travesías ofrecen escalas pasajeras de dolor, descubrimiento y profundas reflexiones.

En su hora y 43 minutos se desnuda la fragilidad del errante, con lo cotidiano, reconociendo un énfasis algo romántico en la libertad y fusionándose en otros momentos con el género del docu reality, apuntando a una realidad que parece al alza entre los auto exiliados de un sistema que los ha desilusionado.

«Nomadland» no es una cinta particularmente alegre u optimista, sino más bien reflexiva. A algunos les parecerá una versión más madura y crudamente real de «Into the wild» (2007), menos idealista y más actual. Por cierto que Francis McDormand como siempre parece una protagonista a la medida de una historia de este tipo, donde hay que darle el mérito a Chloé Zhao por escribir, dirigir y editar este relato.

Ciertos públicos podrán cuestionar su ritmo pero hay que señalar que el factor de emotividad lleva «Nomadland» por otro carril. De alguna forma no es solo lo qué le pasa a su protagonista sino cómo percibir y hacer parte al espectador de lo que siente, su filosofía, dolor y en esa inclusión en los diferentes escenarios, donde a ratos pareciéramos poder oler la hierba por la mañana, es donde se encuentra buena parte de su mérito. Puede que no te cambie la vida por sus giros argumentales, escenas crudas o cuadros de acción pero en honor a su temática, el valor del viaje que compartimos al verla paga el tiempo que le dedicamos.

La belleza melancólica está de regreso en el cine y ofrece aquí una carta credencial con todas las tonalidades que pudiéramos esperar; una historia de introspección, reflexión y aparente sabiduría. Si logras conectar con ella, no la olvidarás.

Recomendación: Buena. De profunda belleza y reflexiones sobre la vida, el dolor y la libertad del ser.

#SomosÑoñosNoPesados Reacciones a *Wandavision* Mitad de temporada y más

*Grabado el 29 enero 2021* Luego del Capítulo 4 de Wandavisión (Varios aciertos!)

«Deberíamos tener algo más de Pietro»

«Este personaje X está listo para volver al MCU»

«Hay un recast de personaje para una película que pasó desapercibido»

«¿Es Spider Man 3 lo más esperado de este 2021?»

«El MCU tendrá series animadas como canon»

Era recién el capítulo 4 de #Wandavision y con Zongalo ya trazábamos varias teorías de lo que venía, evaluábamos la primera mitad de temporada de la serie y nos dimos maña para echar al aire varios conceptos. Anticipamos que vendría algo más de Pietro, le ponemos ojo a un recast que apareció en Endgame y ¡ahora lo hará otra actriz! y también planteamos que hay un antagonista vinculado a Queens que podría volver al MCU.

No esperamos mucho de Jon Watts en Spider Man pero queremos lo mejor. ¿Podrían las series animadas ser un nuevo canon para Marvel? Al parecer ha gustado y mucho a Disney el éxito de proyectos de Star Wars como «Clone Wars»y eso abriría la puerta a ahondar en el perfil de varios personajes.

También repasamos muchas cosas desde la última vez que hablamos: «Tenet» de Nolan, «WW84», Star Wars, el sinfín de anuncios y varias cosas que marcan el inicio de 2021 en la cultura pop vinculada a las franquicias. 

#SomosÑoñosNoPesados #Wandavision #StarWars

 

[CINÉFILO PROMEDIO] «El juicio de los 7 de Chicago»

Juicio a la historia

Aaron Sorkin ya investido como realizador y aprovechando su buena pluma para los guiones, desarrolla en «El juicio de los 7 de Chicago» (2020) una cinta melodramática en sus extremos, histórica y con una gama de personajes que la vuelve innegablemente entretenida.

Quizás los acentos demasiado caricaturizados puedan hacer cierto ruido, pero en el contexto temporal en que se basa el relato cuesta encontrar cuestionamientos ante una sociedad marcada por los conflictos de derechos civiles y de pacifismo frente a la guerra de Vietnam como lo que aquí se cuenta. Lo curioso es que los problemas que plantea se hacen incluso adaptables a tiempos más contemporáneos.

El fuerte del reparto colabora mucho con hacer llevaderas las dos horas y fracción de la historia. Y en eso Sorkin y su guión lleno de detalles y diálogos ingeniosos son un buen complemento para darle fluidez al todo. Acá hay humor negro, reflexión social, roles con matices y un grupo de actores desplegando características diversas que hemos visto en otros frentes, pero ninguno con la seriedad de este contexto. Un entorno realmente sombrío que contrasta con la sensación real que deja la película.

«El juicio de los 7 de Chicago» tiene buena pinta y no decepciona. Es cierto que es menos cruda de lo esperado; en otras como «Detroit» (2017) el enfoque es menos encantador y más directo pero aquí se opta por contar una historia y terminar con buen pie pese a sus resultados reales y eso deja bastante conforme a quien la ve. Sin embargo, quizás disimular sus ripios como la falta de atrevimiento mayor en sus moralejas, darle más de profundidad a los antagonistas y otra chispa indescriptible que cuesta identificar como ese «algo» que le falta para ser magistral, sean una fortaleza o carencia dentro de su propuesta como cinta, pero sin duda es una película que suma.

Recomendación: Buena. Una cinta con una buena historia, un elenco que la fortalece y donde cuesta identificar ese «algo» que la pudo hacer aún mejor.

[CINÉFILO PROMEDIO] «Bill & Ted: Face the music» (Bill y Ted salvando el universo)

Rockear para siempre

Aunque pueda sorprender, sí hay cosas positivas que decir de «Bill & Ted: Face the music» (2020). Y es que dentro de su acotado segmento de público al que va dirigida y que logrará captarla, las burradas de estos dos músicos llenos de buenas e ingenuas intenciones, les llegarán como un impensado y cuasi tierno viaje a la nostalgia que pese a ser innecesario, no se esperaba y solo termina sucediendo.

Como contexto, a fines de los 80’s y principios de los 90’s, Alex Winter y Keanu Reeves encarnaron una dupla de jóvenes músicos «cabeza hueca» pero que funcionaban tan bien como dupla que sus aventuras viajando en el tiempo en una cabina telefónica sembró recuerdos en toda una generación, por sus películas o bien por la posterior serie animada. Un binomio luego imitado pero de comedia tan blanca y transparente que rozaba la ternura o quizás lo burdo, visto en retrospectiva. Sin embargo, Reeves -que parece que todo lo que toca es oro- se embarca en este capítulo de secuela casi 30 años después y aunque parezca increíble, remonta en el tiempo fuera de la pantalla, a quienes tienen buena memoria sobre esta particular pareja.

Los inolvidables «Sementales Salvajes» regresan con una comedia de humor digno de la época del 89 – 90 que hoy podría naufragar al ridículo, pero como la película es casi una invitación solo para nostálgicos, no deja de ser curiosamente extravagante y entretenida.

Es notable que Winter – Reeves se calcen personajes obsoletos y los hayan recoloreado en una época totalmente ajena. Y más aún, es admirable que un actor como William Sadler -seguramente por nostalgia- participe en este «revival», con tantos o más pergaminos cinematográficos que el propio Reeves, siendo reconocible de inmediato en su rol original.

Como sea, «Bill & Ted: Face the music» es una cinta que al igual que otras como «Tenacius D: The Pick of Destiny» (2006) califica como comedia musical pero con un matiz mucho menos oneroso, más infantil si se quiere. Es nostalgia, humor blando y cero pretensión de conseguir algo más con su regreso que no sea un tributo a la propia historia de los personajes. Los espectadores que recuerden la trama o que vayan recordando a medida que avanza el metraje, lo agradecerán, admitirán que no es una buena película pero aún así le darán un pulgar arriba. Para el resto lastimosamente no es una opción seria para ver.

Recomendación: Regular; posiblemente olvidable para nuevos públicos, un refresco de nostalgia para los fans.

{#FotologStyle} Los 4 meses de Isabel

Ayer nuestra pequeña maravilla cumplió 4 meses y mientras me acompaña haciendo los pendientes laborales aunque sea sábado, no puedo dejar de vincular ambas cosas y pensar mientras me pierdo en su carita y esos ojazos azules, qué me gustaría saber de lo que pasa por esa cabecita.

Cuatro simples cosas que le preguntaría sobre sus cuatro meses.

¿Que te han parecido estos 4 meses en el mundo exterior, era lo que esperabas?

¿Qué piensas de los papás que te tocaron?

¿Estás cómoda? ¿Qué te gustaría hacer?

¿Te gusta tu nombre?

Su sonrisa encantadora me dice que no lo hemos hecho tan mal. Felices 4 meses mi bella…

[CINÉFILO PROMEDIO] «Cielo de medianoche» – (The midnight sky)

Cielo de medianoche: Fría belleza

George Clooney desde el sillín de director cada tanto nos entrega piezas que son interesantes, con relatos reflexivos, personajes profundos y la expectativa para ver «The midnight sky» (2020) se basaba en esos puntos altos de su filmografía. Sin embargo, pese a ser una cinta bella en múltiples aspectos, las esperanzas de calzarse el rótulo de «película de calidad» se esfuman a un ritmo mucho más rápido que el del relato que señala.

«Cielo de medianoche» oculta en su misterio inicial el verdadero adn del film; uno muy teatral, donde pese a la grandilocuencia de los escenarios, en realidad son los personajes y sus emociones el soporte del todo y quizás lo mejor de sus casi dos horas. En ese sentido su ritmo lento la hace parecer más larga.

En algunas películas suele ser un problema insertar varias tramas en un solo largometraje, pero Clooney le da coherencia de una forma sutil pudiendo prácticamente construir dos cintas absolutamente diferentes en una sola. El problema es la llanura intermedia donde el trámite se hace cansino y carente de la magia que en el epílogo pretende plasmar.

¿Cuánto de influencia de Cuarón en «Gravity» (2013) hay en esta cinta? Es una duda que el propio Clooney que participó en la galardonada obra del mexicano sabrá en su mente. Los dilemas que encierra, las reflexiones sobre la vida y por qué no, la muerte, comparten la elegancia de aquella aventura. Pero en «Cielo de medianoche», la espera por mayor énfasis en sus fortalezas de contexto tarda demasiado y pena la «ayuda» para que el espectador perciba de mejor forma la invitación que se le está haciendo.

Disponible en Netflix, «The midnight sky» es una invitación a una historia metódica, con reflexiones en medio de un contexto expuesto sin mucho antes ni después. Curiosamente esa simpleza para resolver preguntas básicas no se abordó en el corazón de su desarrollo, haciendo que los esfuerzos postreros por mostrarnos su belleza, en muchos paladares, sea en vano.

Recomendación: Regular. Bella aunque de ritmo cuestionable. De comienzo y desenlace poético pero de continuidad extraviada.